Tuli Tuli

, la, la, 26 il faut confronter les idées vagues avec des images claire.jpgla, la, la, .

00:01 20/01/2012 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


mots, signes, sons : gestes (vie)


[2009 - 9‘29’’]

"C’est par le mouvement qu’on s’approprie sa propre vie. Par la liberté d’aller, de venir, d’avoir des gestes d’amour, de colère, peu importe. Quand on est privé de mouvement comme je le suis, si on veut survivre, il faut réinventer le mouvement autrement."
Benoît Labaye



(illustration by ... ? ...)

21:57 16/01/2012 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


yes he can.

"L’artiste Miguel Endara a eu l’idée de dessiner le visage de son père. Pour réaliser cette illustration tout en pointillés appelée “Hero”, il lui a fallu plus de 3,2 millions de points d’encre ainsi qu’une bonne dose de patience." Ici.




13:22 19/12/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


His master's voice

Diane Arbus - Bartender at Home with a Souvenir Dog, New Orleans, 1964.jpg Dog's love


Le groupe Dead Sea Lions - le morceau “Yellow Books”. Réalisée par les Romains et Emmanuelle, cette vidéo propose de voir les signes d’amour de maîtres à leurs chiens.


(photo de Diane Arbus)

10:00 18/12/2011 | Lien permanent | Tags : arts, textes |  Facebook


Long Live the Immaterial!



act-u,arts (Friederike Pezold - Mundwerk, 1975)

Yves Klein

The CHELSEA Hotel Manifesto

Due to the fact that I have painted monochromes for fifteen years,

Due to the fact that I have created pictorial immaterial states,

Due to the fact that I have manipulated the forces of the void,

Due to the fact that I have sculpted with fire and with water painted with fire and with water,

Due to the fact that I have painted with living brushes - in other words, the nude body of live models covered with paint: these living brushes were under the constant direction of my commands, such as "a little to the right; over to the left now: to the right again, etc.."By maintaining myself at a specific and obligatory distance from the surface to be painted, I am able to resolve the problem of detachment.

Due to the fact that I have invented the architecture and the urbanism of air - of course, this new conception transcends the traditional meaning of the terms "architecture and urbanism" - my goal from the beginning was to reunite with the legend of Paradise Lost. This project was directed toward the habitable surface of the Earth by the climatization of the great geographical expanses through an absolute control over the thermal and atmospheric situation in their relation to our morphological and psychical conditions.

Due to the fact that I have proposed a new conception of music with my "monotone - silence - symphony"

Due to the fact that I have presented a theatre of the void, among countless other adventures...

I would never have believed, fifteen years ago at the time of my earliest efforts, that I would suddenly feel the need to explain myself - to satisfy the desire to know the reason of all that has occurred and the even still more dangerous effect, in other words - the influence my art has had on the young generation of artists throughout the world today.

It dismays me to hear that a certain number of them think that I represent a danger to the future of art - that I am one of those disastrous and noxious results of our time that must be crushed and destroyed before the propagation of my evil completely takes over.

I regret to reveal that this was not my intention; and to happily proclaim to those who evince faith in the multiplicity of new possibilities in the path that I prescribe - Take care! Nothing has crystallized as yet; nor can I say what will happen after this. I can only say that today I am no longer as afraid as I was yesterday in the face of the souvenir of the future.

An artist always feels uneasy when called upon to speak of his own work. It should speak for itself, particularly when it is valid.

What can I do? Stop now?

No, what I call "the indefinable pictorial sensibility" absolutely escapes this very personal solution.


I think of those words I was once inspired to write. "Would not the future artist be he who expressed through an eternal silence an immense painting possessing no dimension?"

Gallery-goers, like any other public, would carry this immense painting in their memory (a remembrance which does not derive at all from the past, but is solely cognizant of the indefinable sensibility of man).

It is necessary to create and recreate a constant physical fluidity in order to receive the grace which allows a positive creativity of the the void.

Just as I created a "monotone - silence - symphony" in 1947, composed in two parts, - one broad continuous sound followed by an equally broad and extended silence, endowed with a limitless dimension - in the same way, I attempt to set before you a written painting of the short history of my art, followed naturally by a pure and effective silence.

My account will close with the creation of a compelling a posteriori silence whose existence in our communal space, after all - the space of a single being - is immune to the destructive qualities of physical noise.

Much depends upon the success of my written painting in its initial technical and audible phase. Only then will the extraordinary a posteriori silence, in the midst of noise as well as in the cell of physical silence, operate in a new and unique zone of pictorial immaterial sensibility.

Having reached today this point in space and knowledge, I propose to gird my loins, then to draw back in retrospection of the diving board of my evolution. In the manner of an Olympic diver, in the most classic technique of the sport, I must prepare for my leap into the future of today by prudently moving backward, without ever losing sight of the edge, today consciously attained - the immaterialization of art.

What is the purpose of the retrospective journey in time?

Simply, I wish to avoid that you or I fall under the power of that phenomenon of dreams, which describes the feelings and landscapes provoked by our brusque landing in the past. This psychological past is precisely the anti-space that I put behind me during the adventures of these past fifteen years.

At present, I am particularly excited by "bad taste". I have the deep feeling that there exists in the very essence of bad taste a power capable of creating those things situated far beyond what is traditionally termed "The Work of Art". I wish to play with human feeling, with its "morbidity" in a cold and ferocious manner. Only very recently I have become a sort of grave digger of art (oddly enough, I am using the very terms of my enemies). Some of my latest works have been coffins and tombs. During the same time I succeeded in painting with fire, using particularly powerful and searing gas flames, some of them measuring three to four meters high. I use these to bathe the surface of the painting in such a way that it registered the spontaneous trace of fire.

In sum, my goal is twofold: first of all, to register the trace of human sentimentality in present-day civilization; and then, to register the trace of fire, which has engendered this very same civilization - that of the fire itself. And all of this because the void has always been my constant preoccupation; and I believe that fires burn in the heart of the void as well as in the heart of man.

All facts that are contradictory are authentic principles of an explanation of the universe. Truly, fire is one of these principles, essentially contradictory, one from the other, since it is both the sweetness and torture that lies at the heart and origin of our civilization. But what stirs this search for feeling in me through the making of super-graves and super coffins? What stirs this search in me for the imprint of fire? Why search for the Trace itself?

Because every work of creation, regardless of its cosmic place, is the representation of a pure phenomenology - all that is phenomena manifests itself. This manifestation is always distinct from form and it is the essence of the Immediate, the Trace of the Immediate.

A few months ago, for example, I felt the urge to register the signs of atmospheric behavior by recording the instantaneous traces of spring showers on a canvas, of south winds, and of lightning (needless to say, the last-mentioned ended in a catastrophe). For instance, a trip from Paris to Nice might have been a waste of time had I not spent it profitably by recording the wind. I placed a canvas, freshly coated with paint, on the roof of my white Citron. As I drove down Route National 7 at 100 kilometers an hour, the heat, the cold, the light, the wind, and the rain all combined to age my canvas prematurely. At least thirty to forty years were condensed into a single day. The only annoying thing about this project is that for the entire trip I was unable to separate myself from my painting.

My atmospheric imprints of a few months ago were preceded by vegetal imprints. After all, my air is to extract and obtain the trace of the immediate from all natural objects, whatever their origin - be the circumstance human, animal, vegetable, or atmospheric.

I would like now, with you permission and close attention, to divulge to you possibly the most important and certainly the most secret phase of my art. I do not know if you are going to believe me - it is cannibalism. After all, is it not preferable to be eaten that to be bombed to death? I can hardly develop this idea that has tormented me for years. I leave it up to you to draw you own conclusions with regard to the future of art.

If we step back again, following the lines of my evolution, we arrive at the moment when I conceived of painting with the aid of living brushes. That was two years ago. The purpose of this was to be able to attain a defined and constant distance between myself and the painting during the time of creation.

Many critics claimed that by this method of painting I was doing nothing more that recreating the method that has been called "action painting". But now, I would like to make it clear that this endeavor is distinct from "action painting" in so far as I am completely detached from all physical work during the time of creation.

Just to cite one example of the anthropometric errors found within the deformed ideas spread by the international press - I speak of that group of Japanese painters who with great refinement used my method in a strange way. In fact, these painters actually transformed themselves into living brushes. By diving themselves in color and then rolling on their canvases, they became representative of ultra-action-painters! Personally, I would never attempt to smear paint over my body and thus to become a living brush; to the contrary, I would rather put on my tuxedo and don white gloves.

It would never cross my mind to soil my hands with paint. Detached and distant, the work of art must be completed under my eyes and under my command. As the work begins its completion, I stand there - present at the ceremony, immaculate, calm, relaxed, perfectly aware of what is taking place and ready to receive the art being born into the tangible world.

What directed me towards anthropometry? The answer can be bound in the work that I make during the years 1956 to 1957 while I took part in the giant adventure, the creation of pictorial immaterial sensibility.

I had just removed from my studio all earlier works. The result - an empty studio. All that I could physically do was to remain in my empty studio and the pictorial immaterial states of creation marvelously unfolded. However, little by little, I became mistrustful of myself, but never of the immaterial. From that moment, following the example of all painters, I hired models. But unlike the other, I merely wanted to work in their company rather than have them pose for me. I had been spending too much time alone in the empty studio; I no longer wanted to remain alone with the marvelous blue void which was in the process of opening.

Though seemingly strange, remember that I was perfectly aware of the fact that I experienced none of that vertigo, felt by all my predecessors, when they found themselves face to face with the absolute void that is, quite naturally, true pictorial space.

But how long could my security in this awareness endure?

Years ago, the artist went directly to his subject, worked outdoors in the country, had his feet firmly planted on the ground - it was healthy.

Today, easel-painters have become academics and have reached the point of shutting themselves in their studios in order to confront the terrifying mirrors of their canvases. Now the reason I was pushed to use nude models is all but evident: it was a way of preventing the danger of secluding myself in the overly spiritual spheres of creation, thus breaking with the most basic common sense repeatedly affirmed by our incarnate condition.

The shape of the body, its lines, its strange colors hovering between life and death, hold no interest for me. Only the essential, pure affective climate of the flesh is valid.

Having rejected nothingness, I discovered the void. The meaning of the immaterial pictorial zones, extracted from the depth of the void which by that time was of a very material order. Finding it unacceptable to sell these immaterial zones for money, I insisted in exchange for the highest quality of the immaterial, the highest quality of material payment - a bar of pure gold. Incredible as it may seem, I have actually sold a number of these pictorial immaterial states.

So much could be said about my adventure in the immaterial and the void that the result would be an overly extended pause while steeped in the present elaboration of a written painting.

Painting no longer appeared to me to be functionally related to the gaze, since during the blue monochrome period of 1957 I became aware of what I called the pictorial sensibility. This pictorial sensibility exists beyond our being and yet belongs in our sphere. We hold no right of possession over life itself. It is only by the intermediary of our taking possession of sensibility that we are able to purchase life. Sensibility enables us to pursue life to the level of its base material manifestations, in the exchange and barter that are the universe of space, the immense totality of nature.

Imagination is the vehicle of sensibility!

Transported by (effective) imagination we attain life, that very life which is absolute art itself.

Absolute art, what mortal men call with a sensation of vertigo the summum of art, materializes instantaneously. It makes its appearance in the tangible world, even as I remain at a geometrically fixed point, in the wake of extraordinary volumetric displacements with a static and vertiginous speed.

The explanation of the conditions that led me to pictorial sensibility, is to be found in the intrinsic power of the monochromes of my blue period of 1957. This period of blue monochromes was the fruit of my quest for the indefinable in painting which Delacroix the master could already intimate in his time.

From 1956 to 1946, my monochrome experiments, tried with various other colors than blue, never allowed me to lose sight of the fundamental truth of our time - namely that form, henceforth, would no longer be a simple linear value, but rather a value of impregnation. Once, in 1946, while still an adolescent, I was to sign my name on the other side of the sky during a fantastic "realistico-imaginary" journey. That day, as I lay stretched upon the beach of Nice, I began to feel hatred for birds which flew back and forth across my blue, cloudless sky, because they tried to bore holes in my greatest and most beautiful work.

Birds must be eliminated.

Thus, we humans will have acquired the right to evolve in full liberty without any physical and spiritual constraint.

Neither missiles nor rockets nor sputniks will render man the "conquistador" of space.

Those means derive only from the phantom of today's scientists who still live in the romantic and sentimental spirit of the XIX century.

Man will only be able to take possession of space through the terrifying forces, the ones imprinted with peace and sensibility. He will be able to conquer space - truly his greatest desire - only after having realized the impregnation of space by his own sensibility. His sensibility can even read into the memory of nature, be it of the past, of the present, and of the future!

It is our true extra-dimensional capacity for action!

If proofs, precedents or predecessors are needed, let me then cite Dante, who in the Divine Comedy, described with absolute precision what no traveler of his time could reasonably have discovered, the invisible constellation of the Northern Hemisphere known as the Southern Cross;

Jonathan Swift, in his Voyage to Laputa, gave the distances and periods of rotation of two satellites of Mars though they were unknown at the time;

When American astronomer, Asoph Hall, discovered them in 1877, he realized that his measurements were the same as those of Swift. Seized by panic, he named them Phobos and Deimos, Fear and Terror! With these two words - Fear and Terror - I find myself before you in the year 1946, ready to dive into the void.

Long Live the Immaterial !

And now,

Thank you for your kind attention.






23:46 17/12/2011 | Lien permanent | Tags : act-u, arts |  Facebook



to be Wrong or not to be, wrong.

13:59 17/12/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Brush death if you dare

Le studio Corridor Digital propose dans cette vidéo “Brush With Death” d’opposer avec dynamisme un ange du graffiti face à la mort dans un combat entre le blanc et le noir.


13:53 17/12/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


Iranian Documentary Film About a Leper Colony (The House is Black) - 1963

Documentary film made by Forough Farrokhzad.

Dave Simmons says:
"White people who romanticize other countries, other cultures and other races, have neither lived among them, nor have they ever been at their mercy and forced to live by their rules and standards of living. Western Civilization - aka white people - gave us the modern medicine that made leper colonies a thing of the past. All of the people who have ever lived without modern medicine - or any of the other things white people gave the world, e.g. scientific and technological advances - are thankful for it. None of the spoiled people who accuse whites of racism and like to shake them down with guilt trips, but who gorge their fat carcasses and marvelous physiques on three meals a day provided to them by modern agriculture that whites invented, have ever lived outside of a society that was run by white people, otherwise they would learn to be grateful.

Whites who are ungrateful for their own people's marvelous achievements, view these advances with no special appreciation, and see the advanced state of white people as evidence of their racism instead of appreciating it and seeing how wonderful it is, and saying "thank you" to their OWN PEOPLE for what they have received from them.
These are the people who will not let white people have their own thing, and who will destroy their uniqueness, and who will take from the world the milieu of an all white society that produced these marvelous improvements.
They must be resisted without fear, for the sake of preserving what is good."

house is black.jpg

Press said:

"The House is Black is an acclaimed Iranian documentary short film directed by Forough Farrokhzad.
The film is a look at life and suffering in a leper colony and focuses on the human condition and the beauty of creation. It is spliced with Farrokhzad's narration of quotes from the Old Testament, the Koran and her own poetry. It was the only film she directed before her death in 1967. During the shooting she became attached to a child of two lepers, whom she later adopted.
Although the film attracted little attention outside Iran when released, it has since been recognised as a landmark in Iranian film. Reviewer Eric Henderson described the film; "One of the prototypal essay films, The House is Black paved the way for the Iranian New Wave.

فیلم خانه سیاه‌است به کارگردانی فروغ فرخزاد و تهیه کنندگی ابراهیم گلستان در سال ۱۳۴۲ در پی دیدار از آسایشگاه جذامیان بابا داغی تبریز ساخته شد
و در همان سال در فستیوال فیلم آلمان غربی برندهٔ جایزهٔ بهترین فیلم مستند می‌شود
استفاده از جذامی‌ها به عنوان طرد شدگان جامعه که البته نمونه‌ای این طرد شدگان را در بیش تر قشرهای جامعه می‌توان دید، روزمرگی و انسان گرفتار به طور عام از "شاخص‌های مهم این فیلم است


Musée de la Lèpre: http://www.bymuseet.no/?vis=80


13:20 11/12/2011 | Lien permanent | Tags : arts, lis tes ratures, poly-tiques |  Facebook


Bela Ciao Tarr

Harmonies hongroises
Béla Tarr à l’honneur

Le cinéaste hongrois Béla Tarr pose un point final à sa carrière avec Le Cheval de Turin. A cette occasion, le Centre Pompidou organise une rétrospective intégrale de sa filmographie tandis que Jacques Rancière publie aux éditions Capricci un essai — désormais indispensable— sur le réalisateur.

 L’histoire commence en 2008 : « Je dois montrer ce qui se passe vraiment : les gens en ont marre, leurs émotions sont fortes, puissantes. Et la question est : comment ces émotions sont exploitées, contrôlées, avant la grande explosion. Je ne supporte plus cette putain d’égalité polie, petite bourgeoisie, qui existe dans le monde. Le deal entre les pauvres et la société, comment les pauvres sont forcés à accepter cet ordre, et on accepte ce monde de merde.» (1) L’histoire se termine en 2011, avec une ultime réalisation : Le Cheval de Turin (2). Ces propos – et le film – sont ceux du cinéaste hongrois Béla Tarr. Neuf films, en presque quarante ans. Son départ est marqué par deux premières fois : une rétrospective au Centre Pompidou et un ouvrage de Jacques Rancière.
Au Centre Pompidou, la riche rétrospective Béla Tarr, L’alchimiste propose – en sa présence – à la fois les longs métrages du réalisateur (du premier réalisé en 1977, Le Nid Familial, à L’Homme de Londres réalisé en 2008) et plusieurs raretés : ses quatre courts-métrages et une production télévisée jamais diffusée sur nos écrans français, Macbeth (son seul film avec deux plans séquences). Au cours de sa carrière, le cinéaste utilise à deux reprises, et jusqu’en 1986, la couleur (avec L’Outsider et Almanach d’Automne), avant de choisir – et de manière définitive – , le noir et blanc (Damnation, Satantango, Les Harmonies Werckmeister, L’Homme de Londres et Le Cheval de Turin).

A suivre aussi, un documentaire sur le cinéaste (réalisé par Jean-Marc Lamoure, Tarr Béla, Cinéaste et au-delà) permet de découvrir ceux qui forment sa famille de tournage depuis plus de trente ans, dont le musicien Mihály Víg (à ses côtés aussi en tant qu’acteur depuis Almanach d’Automne), la monteuse Agnès Hranitzky (sa femme et sa co-réalisatrice), le romancier Laszlo Krsznahorkai (il collabore avec lui dès Damnation) et certains de ses acteurs que l’on retrouve dans plusieurs films dont Erika Bok, jeune fille aperçue dans Satantango et personnage principal de son dernier film, Le Cheval de Turin. Entre-temps, et afin de mieux se familiariser avec l’univers du cinéaste, une table ronde viendra « questionner ses différents régimes d’écriture filmique » et surtout, une conférence de Jacques Rancière sera l’occasion d’écouter l’auteur d’un ouvrage – le premier, donc – incontournable sur le cinéaste.

L'essai de Jacques Rancière,Béla Tarr, Le temps d’après, est à l’image de celui qui n’envisage aucune « philosophie du cinéma » : il va et vient dans l’œuvre du cinéaste, au gré de courts chapitres, convoquant la littérature, la peinture, la musique et le cinéma, dans un style dépouillé, soucieux de n’imposer aucun discours théorique.

Dans les premiers films du cinéaste (Le Nid Familial, L’Outsider, Rapports Préfabriqués, Almanach d’Automne), tournés dans une période que l’auteur attribue aux « jeunes cinéastes en colère », les personnages, cadrés en très gros plan, vivent en huis clos et sont aux prises avec des difficultés sociales et administratives. Au film Damnation (1987), Béla Tarr évoque comme un déclic : « C’est par ce film que je me suis rendu compte que l’histoire à raconter n’avait vraiment plus aucun intérêt. » Les dialogues diminuent, les plans séquences se rallongent : « Béla Tarr accompagne les choses jusqu’à son achèvement. La matière prend vie tandis que l’homme se désincarne », selon l’écrivain. Le plan se divise alors « en plusieurs zones d’ombres et de lumières », poursuit-il. Une nouvelle période commence : « Les films de la maturité, ceux qui accompagnent l’effondrement du système soviétique et les lendemains capitalistes qui déchantent. » On découvre alors, raconte le philosophe, les quatre obsessions du cinéaste que sont l’espace, la distance, le temps et le Mal.

« Un être qui s’habitue à tout, voilà, la meilleure définition qu’on puisse donner de l’homme », écrit Dostoïevski. Chez Béla Tarr, il faut s’habituer à tout. Il faut s’habituer à ce « brouillard [qui] envahit tout, pénètre dans les poumons, il envahit ton âme », comme le raconte un des personnages de Damnation. Ce qui l’intéresse dans une scène, « c’est la pluie qui tombe, l’attente de l’événement le plus banal (..) l’important, c’est le temps, le ciel, les grues, les engins mécaniques d’un chantier, le regard ». Et puis, il y a les ouvertures, – sacrées –  : « C’est l’ouverture qui est importante, explique-t-il. Toujours. Je voudrais donner au spectateur dès le début l’impression qu’il est auteur. Ainsi pour Satantango, quand on voit, dès le premier plan, que les vaches mettent tant de temps à aller au pré, on s’installe à partir de là, dans un temps autre. Je signe dès lors un contrat tacite avec le spectateur qui sait de quoi il retourne. » Il suffit de regarder Les Harmonies Werckmeister : on y retrouve des hommes, silencieux, à la fermeture d’un bar. Quand arrive le jeune Valuska, chacun se positionne selon ses ordres car « nous, gens simples, allons assister à une démonstration de l’immortalité ». Une part de son style se retrouve dans cette séquence, avec ces lents mouvements de caméra, cette musique lancinante, dans ces instants à la fois individuels et collectifs et dans cette poursuite du temps d’après, que Jacques Rancière définit comme « le temps où on s’intéresse à l’attente elle-même.» C’est dans son dernier film, Le Cheval de Turin, que le cinéaste cristallise cette attente. Un vieil homme et sa fille vivent dans une ferme isolée. Leur vie se résume à deux choses : la lumière et un cheval. Et quand la lumière s’éteint ; quand le cheval meurt : que reste-t-il ?  Un écran noir. La fin d’un monde ? On ne parvient pas à oublier ces visages désespérés qui nous ramènent à ce cinéaste « désespéré, [qui s’]’accroche aux regards désespérés qui [l]‘entourent, [qui]essaie de filmer le monde désespéré qui [l’]entoure. » On cherche une issue, une lumière, une raison. On lit Jacques Rancière : « [Béla Tarr]est un homme soucieux d’exprimer au plus juste la réalité telle que les hommes la vivent. » Malgré les regards désespérés, quand Valuska lance au patron du bar que « ce n’est pas fini » ou lorsque le vieil homme prononce comme derniers mots « il faut manger », n'y voyez-vous pas là, une forme de résistance ? Ne faudrait-il pas continuer à filmer, cher Béla Tarr, même dans le noir, même quand il n’y a plus d’espoir, même si « les loups hurleront toujours » ?

1. Entretien aux Cahiers du Cinéma n°637, 2008.
2. Ours d’argent au dernier festival de Berlin, 2011. Sortie en salles le 30 novembre 2011.

> Béla Tarr, L’Alchimiste. Rétrospective intégrale, du 3 décembre au 2 janvier au Centre Pompidou, Paris. Jacques Rancière, Béla Tarr, Le temps d’après, éditions Capricci, 96 p.

http://www.youtube.com/watch?v=zcDVjCNTVP8&feature=player_embedded#! entre autres liens.

Bélinda Saligot

19:56 30/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


Ladies... standing in our way.

Both are blue, often.

16:17 30/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Best Funeral Ever

The brilliant minds behind Improv Everywhere are at it again. Following in the theme of “Best Ever”, the agents descended on the funeral for a man with few surviving relatives. The eight people that attended the burial were joined by thirty agents from IE making for a truly memorable inhumation.

Improv Everywhere - Best Funeral Ever - 2009

The actors arrived a bit late but put on their best grieving faces and joined the mourners graveside. The family of the deceased were baffled by the turnout for a man that few cared about while he was alive.

Improv Everywhere - Best Funeral Ever - 2009

Eventually the priest noticed the camera and the gig was up. Apparently the presence of a video camera is frowned upon at such occasions. Unfortunately the real mourners failed to recognize the thoughtfulness of the gesture and things turned ugly.

Improv Everywhere - Best Funeral Ever - 2009

Improv Everywhere dropped this video yesterday, April 1. Everyone involved in the prank were actors and the funeral was fake. It was a nice prank and an amazing sociological experiment. Just check out the hundreds of comments this mission received on their website. Usually IE aims to confuse and delight people on the street, this time they went after the online public with great success. Get in on the next mission by joining the Urban Prankster Network.


Improv Everywhere
Best Funeral Ever
1 April 2009

16:12 30/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook




10:23 30/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Feature documentary exploring Dance Movement Therapy in Kolkata, India


About this project

Kolkata Sanved is a trailblazing human rights organization using a form of rehabilitation known as Dance Movement Therapy (DMT) in a daring manner. Working with marginalized children and adults, street children, mental health patients, victims of violent crimes and human trafficking in Kolkata, India, they are helping these survivors find strength and peace with this very progressive yet natural form of therapy.


Unlike a great majority of documentaries produced today, DMT is a rare subject where the medium of film is essential to the story. The only way to convey the sheer importance and power of the rehabilitation process is to witness it either in person or through the camera’s eye.


The poverty, beauty and color of India provides the backdrop for this uniquely powerful and visual tale. In order to best illustrate the challenges and successes of the process, I worked with a small crew, (of 2) careful not to disrupt the healing process. The result is a striking and intimate portrait of people bringing about psychosocial rehabilitation and real social change.


To properly express what we experienced, I’m enlisting the help of other artists, musicians and an art director. This film will be, appropriately, more visceral expression than stock documentary. The final product will not only elucidate the process but also express the power of the experience in some groundbreaking and multidimensional ways.

We had unprecedented access to the DMT trainers (themselves rehabilitated survivors) in the shelter homes, mental hospitals, and various settings throughout Kolkata and Kathmandu where DMT is being practiced. It was an incredible privilege to document the acts of courage and care coming from those with unfathomable pasts and present difficulties. We aim to utilize the 60 hours of footage and the 20 interviews to weave an organic, visceral story that gives voice and vision to the righteous, strong and selfless acts of these incredible people.

Our goal is to complete a rough cut of the film by October 2010 and have it ready for release early 2011. Beyond festival screenings, we plan to implement more unorthodox means of dissemination as well, including “on location” screenings throughout Calcutta, in areas where the participants live and in other areas that could benefit from knowing more about this process.

After exhausting our initial $30,000 (personal funds and a much appreciated shooting grant from the Marian Chace Foundation), we now find ourselves in a film limbo. We have all the footage and the drive necessary to complete this film, however we lack the funds to hire the individuals necessary to bring this process to fruition.


What is needed in our current phase of post-production are:

    + translations / transcripts of the interviews
    + music composition
    + art direction
    + sound cleaning / sweetening
    + a block of time for concentrated, non-stop editing


We ultimately hope the film will inspire viewers to look inward, to access their own dormant potential to right wrongs in real ways—whether in the back alleys of India or their own backyards, wherever hope has been deterred if not lost altogether.

With your help, we can create a moving and indelible document of people doing just that.

-Shawn Convey and Ashley Fargnoli

10:05 30/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts, place net |  Facebook


un jour, j'irais en Islande avec moi


19:35 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts, humoeurs |  Facebook

We All Live in Boxes


19:32 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

The Shrine / An Argument



Music: Fleet Foxes / Album: Helplessness Blues
Director: Sean Pecknold

19:30 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

American dream?

Découverte du talent du photographe Daryl Peveto qui a cherché, avec cette série “American Nomads”, à s’approcher de nomades là où la possession d’un domicile fait parti du “rêve américain”. Une série de clichés splendides à découvrir dans la suite de l’article.




















19:25 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Killer Toys

Un excellent film d’animation intitulé “Killer Toys” d’une durée de 3 minutes sur une réalisation de l’illustrateur Dongjie Zhu. L’histoire de deux enfants s’affrontant sur un mur à travers des dessins et leur imagination. A découvrir en images et en vidéo dans la suite de l’article.


19:18 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Copy & More

L’agence Scholtz & Friends commandité par l’enseigne de reprographie Copy Shop basée à Berlin, a pensé avec intelligence ces visuels reproduisant à l’identique des éléments du quartier de la capitale allemande. Plusieurs créations sont à découvrir dans la suite de l’article.






19:18 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

qui est le sauvage?


Teaser _ Video installation.
Musée du Quai Branly
'Exhibition - L'invention du sauvage'.

Ne sommes‐nous jamais sexistes ? Sommes‐nous à l’aise avec le handicap ? Avec l’homosexualité ? N’avons-nous jamais peur de l’autre ? On ne se marie pas avec. On renvoie dans son pays. On ne recrute pas. On ne fait pas rentrer dans les discothèques. On se moque. On rejette. Identités multiples de l’anormalité, l’autre est une femme voilée, un adolescent trisomique, une femme lesbienne, un homme de petite taille, une femme de forte taille, un transsexuel, un jeune de banlieue, un jeune juif qui porte la kippa ... et puis ? On est toujours l’autre de quelqu’un.


11:55 28/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


Karen Guillorel, effort ever

Karen G., l'amie, la marcheuse, l'artiste, la femme, dans le désordre d'apparition.

Karen G.jpg


et une vidéo d'elle et de l'ami Yann Minh.



17:54 16/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts, lis tes ratures |  Facebook

...hate to feel the Love between us die

Perte de Signal 18th Nov. 8pm
...hate to feel the Love between us die

Welcome /Bienvenus /Emultion Triphasée Tragi-Cosmic  
[présentation de résidence /Residency presentation]                          18 NOV. 8pm

PERTE DE SIGNAL –2244, rue Larivière- MONTREAL                        (QC) H2K 4P8, Canada

Prenez comme base l'introduction des recherches avec Frau Picha au Rutines_Lab chez Perte de Signal,
joutez progressivement une performance sonore
avec Frau Picha, Erin Sexton, et Johnny Foreveren trio.
Des chairs de coeur
(Lucille Calmel, Emmanuelle Gibello, Michèle Rossignol, Milady Renoir...)
Puis secouez énergiquement pour obtenir une soirée dansante dont vous serez les protagonistes avec DJ Fucah R.I.P. et DJ Sextonik!

Participation vestimentaire et joyeuse grandement bienvenue,
AMUSONS NOUS, sérieusement !

Building upon the introduction of the research with Frau Picha at Rutines_Lab
at Perte de Signal,
Gradually add a sound performance
with Frau Picha, Erin Sexton, & Johnny Forever in a trio.
Heart and Fleshes
(Lucille Calmel, Emmanuelle Gibello, Michèle Rossignol, Milady Renoir...)
And shake vigorously for a dance party that you will be the protagonists with DJ Fucah R.I.P. and DJ Sextonik!

Get your golden clothes & make up!
HAVE FUN, seriously !

Complimentary support for Pascale’s residency was generously provided by WBI (Wallonie Bruxelles International) (BWI Brussels Wallonia International)

I will be in San Francisco from the 20th to the 28th of November.

ANGRY WOMEN /Annie Abrahams/      Prototypes for · pour · voor transmission  4 DEC   
2 Performances with Annie Abrahams, Anne Laforet, Antye Greie, Bérénice Belpaire, Hedva Eltanani, Hortense Gauthier, Ienke Kastelein, Jule Chateauvert, Laurence Moletta, Laurie Bellanca, Lucille Calmel, Martina Ruhsam, Olga P Massanet, Pascale Barret and Simona Polvani

I will take part to the programmation selection for online performances.
A Call will be launch

17:28 16/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook


God's eye view

Extraits de nombreux films avec comme point commun l’angle “vue du ciel”. L’objectif de la caméra est perpendiculaire au sujet, donnant au spectateur le point de vue omniscient du personnage et de l’espace environnant. La bande-son est signée Yeah Yeah Yeahs: http://vimeo.com/31487012








16:40 14/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Manifeste mutantiste

Manifeste mutantiste 1.1 de Mathias Richard et al. « Le mutantisme est un logiciel psychique s'adressant aux personnes voulant penser et créer hors de ce qui est. » Que faire quand on s'emmerde à mourir dans la France des années 2010 ? Réponse : devenir mutantiste ! Le seul avantage d'une époque-désert comme celle-ci, c'est que tout est réinitialisé, et que des zozos peuvent tout reprendre à zéro. Le seul avantage de cet espace lisse désertifié -ce monde- est que des originaux peuvent en récréer les plis. Tout reprendre à zéro. S'organiser. Tout reprendre à zéro. Tout est fini. Rien n'a commencé. Auto-organisation. Mutantisme. Hymne à la création, à la solidarité entre « différants » (voire « inadaptés », ceux qui font « un pas de côté »), Manifeste mutantiste 1.11, de Mathias Richard, exprime les principes du « mutantisme »2. Texte de poésie, de pensée, manifeste littéraire et artistique, manuel, essai transgenre avec liste de protocoles de création (« machines abstraites ») et d'exemples (textes, images...), notice technique, contrepoison à une époque mortifère, rassemblement de singularités utilisant l'environnement technoscientifique et informationnel, le Manifeste mutantiste propose des perspectives créatives et communautaires. Le mutantisme est un réseau asocial (tellement asocial qu'il est toujours en voie d'effondrement, de disparition !) et une cellule de recherche et développement sur la multiplicité des formes et des formats. Certains qualifient cet agrégat de « situationnisme psychédélique ». Du noir, mais en couleur ? Des arcs-en-ciel, mais noirs ! Le livre s'organise en trois mouvements : (1) le manifeste lui-même, constitué dix chapitres modulaires3 très brefs (des modules synthétiques), sauf le dernier, (2) le module « Machines », qui est hypertrophié, atteint d'éléphantiasis, car son principe, matriciel, est d'être développable, augmentable à l'infini, d'être l'objet d'ajouts par qui veut, ouvert à tous vents, [20 auteurs participent à cette partie] (3) un appendice contenant des exemples et des textes de création, trop longs pour être insérés dans le corps même du manifeste, dont le texte « Réplicants » (chronologiquement première oeuvre-application issue des machines mutantistes) qui à lui seul pourrait constituer un livre autonome. Une grande force du Manifeste mutantiste est son aspect synthétique, la qualité de sa synthèse d'éléments civilisationnels, culturels, sa vision transversale traversant les différents champs, s'attardant particulièrement, dans cette version, sur celui de la création (art, littérature...). C'est un texte matriciel qui donne des pistes pour créer. 1/ En art et littérature, le mutantisme déclare une table rase et une reconstruction des genres sous forme de machines. 2/ D'un point de vue social, le mutantisme constitue un appel aux « déviants » à s'allier, ou du moins s'agréger (pour solidarité, amusement, émulation, créativité accentuée accélérée, projets, soutien des uns et des autres à travers la construction d'un réseau). Le mutantisme rêve de créer une zone de solidarité entre ceux qui ne se reconnaissent dans rien et veulent créer, commencer, de nouvelles choses. Les « différants » sont souvent convaincus qu'ils sont des erreurs et frappés d'anomie sociale. Nous sommes divisés pour être mieux régnés, il n'y a plus aucune solution collective. Un début : mutantisme. Mutantisme = 1/ un constat sur une époque ; 2/ une façon de créer ; 3/ un agrégat de personnes se déclarant « mutantistes ». Ce livre déclare une réinitialisation générale, une reconfiguration. « Création, solidarité, liberté », semble-t-il nous dire. « Le mutantisme est un programme de réinitialisation d'où naissent de nouvelles catégories, de nouvelles classifications, de nouvelles formes. » Manifeste mutantiste 1.1 de Mathias Richard et al. Avec la participation de Nikola Akileus, Gabriel Azais, Guénolé Boillot, Philippe Boisnard, Antoine Boute, Lucille Calmel, Cyrill Chatelain, Georges Cl4renko, Yvan Corbineau, Grégoire Courtois, Etienne Dodet, Christophe Esnault, Caroline Hazard, Hypsis, LWO, Méryl Marchetti, Cédric Micchi, Virgile Novarina, François Richard, Yannick Torlini. ________ (1) La numérotation « 1.1 » indique que c'est une version augmentée (et mise à jour) par rapport à la première version « 1.0 » parue en ligne le 10 janvier 2010, sur le site http://mutantisme.free.fr/ (2) Il est question ici de mutation par la pensée (modes de représentation) et non par reproduction biologique. (3) La structure modulaire (et non linéaire avec un début et une fin) du manifeste participe de son sens même : ouverture, non finitude, recombinaisons. Entrées du sommaire Prologue / CONTEXTE / "ISSU DE L'HOSTILITE DU MONDE..." / MULTIPLICITE / L'ENTRE / L'IMAGINAIRE MUTANTISTE / EXTRA-TERRESTRE / ROBOT / INFORMATION / MORFOJEN / MACHINES [20 auteurs] / CONCLUSION PROVISOIRE APPENDICE : Capteurs céphalomorphes / Réplicants / Pouvoirs / Stephen King Kong / Crédits http://www.camerasanimales.com/livre07

16:36 14/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts, lis tes ratures |  Facebook


Beili Liu - artist hors pair(e)s

Installations I The Mending Project, Iron scissors, Fabric, thread, needle, mixed-media, dimensions variable  

beilil Liu

The installation consists of hundreds of Chinese scissors suspended from the ceiling, pointing downwards. The hovering, massive cloud of scissors alludes to distant fear, looming violence and worrisome uncertainty. The performer sits beneath the countless sharp blades of the scissors, and performs an on-going simple task of mending.








beilil Liu

The overwhelming situation presented in The Mending Project is balanced and softened by the silent persistence of a simple mending action. The large quantity and intense force of the scissors elevate the confrontation between the objects and the performer. The installation/performance evokes urgency, concern, and fear, while simultaneously influence viewers through the calming and healing aura of the mending action.







beilil Liu    
beilil Liu    
As each visitor enters the space, one is asked to cut off a piece of the white cloth hung near the entrance, and offer the cut section to the performer. She then continuously sews the cut pieces onto the previous ones. The mended fabric grows in size throughout the duration of the performance, and takes over the vast area of the floor beneath the scissors.    



beilil Liu    
Beili Liu    
beilil Liu  







22:17 07/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Je suis Miss Novembre du Centre Culturel du Brabant Wallon

J'ai l'honneur de faire partie d'un calendrier... le thème: Chantiers. Finalement, je préfère ça que les Merveilles du Monde ou les Fieux du Stade. Le projet peut être lu là.


Des textes courts ont été commandés à neuf écrivains. Ils paraitront sur les cartes postales, aux côtés des portraits casqués. Là encore, le résultat est protéiforme à souhait : Avec les poèmes de Frédéric Saenen et Jean-Jacques Didier... Genre choisi également de façon plus inattendue par le dramaturge Eric Durnez... D’étonnantes petites annonces rédigées par Corinne Hoex, Pierre Mainguet et Réjane Peigny... Un fait troublant relaté par Dominique Costermans... La vision inventive et extravagante de Milady Renoir... Ou encore le style expérimental d’Edgar Kosma qui nous livre le chantier d’un texte.


Réjane et moi sommes alliées, encore ici, avec les cartes de novembre... à visiter ici.

Carte postales_Verso-2(2).jpg

22:08 07/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

rendez-vous sur prises

Agoraphonic a lancé un appel. Nous sommes de plus en plus nombreux à y répondre.

Prenons le temps de prendre rendez-vous. Le prochain jour est férié, encore une bonne raison d'y penser.


J'y suis et son autre oeil.


21:45 07/11/2011 | Lien permanent | Tags : arts, humoeurs |  Facebook


Portraits idiots.

Je suis en possession de 5 DVD du documentaire réalisé par Marie Doria autour de ce projet:


Il est en vente au prix de 15 euros + frais de port. Me contacter sur miladyrenoir@yahoo.co.uk en cas de commande. Renseignements


A lire : Portraits Idiots au Festival Le Temps d'Aimer de Biarritz, septembre 2010."

Création en 2010.

  • Chorégraphie : Richard Cayre, Claude Magne
  • Musique : Guy Raynaud
  • Arts plastiques : Jean-Charles Dotigny
  • Assistante : Anne-Laure Lamarque
  • Tournage du film : Marie Doria
  • Tous les membres sont supposés pouvoir être visibles par un public.

" En partenariat avec l’Office Artistique de la Région d’Aquitaine : accueil en résidence du lundi 20 avril au jeudi 7 mai 2009 au Molière-Scène d’Aquitaine ; sortie publique mercredi 6 mai 2009 à 18h30.

Idiotes, idiot, signifie simple, particulier, unique. Toute chose, toute personne sont ainsi idiotes dès lors qu’elles n’existent qu’en elles-mêmes, Clément Rosset (le réel, traité de l’idiotie).

Ce projet de portraits chorégraphiques est le désir d’une équipe de créateurs réunis par Claude Magne et qui cherchent autour de différents langages artistiques : la danse, la musique, la mise en espace, la peinture et la vidéo.

Ils s’appuient sur le courant esthétique de l’idiotie. Cette tendance se permet les excès, les détournements, la dérision de l’acte artistique et de l’entreprise humaine.

C’est un moment charnière dans l’œuvre des quatre auteurs : Claude Magne, Guy Raynaud, Richard Cayre et Jean-Charles Dotigny. Arrivés à un âge où ils souhaitent réinterroger leur propre parcours, déterrer les rebus enfouis par des années de production artistique et qui s’avèrent en fait avoir depuis toujours conditionné leur démarche. Rebus d’identité, obsessions camouflées, désirs rétrogradés et tout un fatras sensible entassé, car sans profit apparent et qui demande aujourd’hui une place dans le chantier languissant d’une existence artistique.

Soucieux des grincements d’autrui, ils ont décidé de s’entraider afin de permettre l’émergence de ces traces aux dépens de ce qui fonde actuellement leur reconnaissance professionnelle. Ils envisagent ainsi un déplacement de leur valeur esthétique par regards croisés et divergents, l’abandon de leurs craintes éventuelles et la non concession mutuelle. Le tout devant servir un dispositif mobile, exposable ou présentable dans divers lieux, pour différents types d’évènements, dans lequel l’idiotie manifeste des dits artistes devrait pouvoir éclater dans toute sa dérision.

Vous n'aurez jamais assez de faire rupture avec ce bonhomme que vous êtes supposés incarner, Fernando Pessoa.

De l’autoportrait comme œuvre de mutilation

User de la danse pour disparaître. Le corps se voit, est toujours trop visible, nous sommes conditionnés à lire, interpréter chaque pulsion, cillement, contraction ou relâchement peaussier. Il y a toujours trop de corps, de poids, de matière, toujours trop qui se cache ou qui se montre, qui se donne ou qui se retire. Je veux être de toutes parts attaqués par des auto-portraits sans concession perpétuelle, se cacher le jour et avancer dans la nuit des gestes. Car je me suis jusque là dérobé aux esprits qui me soufflent, qui m’enjoignent de décamper de ce corps nommé et ajusté aux besoins de l’espèce. Je me bats désormais dans la démesure de ce corps devenu trop grand, ou trop lâche pour en sentir l’unité et sans parler de la fatigue de ne plus rien pouvoir savoir, ni de l’âme, ni du curieux chercheur, enfin de la véritable déconfiture où chaque phalange poursuit son propre effort et ne communique plus. Ainsi la terre qui revêt de fausses couleurs, diverses fenêtres et d’autres étrangetés, Claude Magne.


Questions sur l’absurdité de nos présences, la gratuité et l’insignifiance de nos actes.

Questions sur l’acte de danser, comment le monde traverse nos corps.

Questions sur le portrait, l’autoportrait, l’unique et le multiple en soi même, les limites supportables du narcissisme, la destruction des images de soi.

Questions du dialogue entre les images et les portraits d’autres gens, venant d’ailleurs, et la présence concrète, charnelle d’un homme.

Questions sur l’aspect spectral du corps, ses limites visibles, ses contours, les forces qui l’habitent."

12:09 27/10/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook






la suite là.

22:51 19/10/2011 | Lien permanent | Tags : arts |  Facebook

Milady Renoir ouvre la fête du cul à Liège - à fond la chaise! (3/11/11)

A fond la chaise fête du cul fly.jpg


Jeudi 3 novembre (de 20 à 23h). (dans 15 jours)

Dans le cadre des Nuits du Paradoxe- "la fête du cul".

Soirée lecture par Jean-Paul Bonjean et Pierre Huson.

Performance de Milady Renoir.

Milady Renoir qui ouvre le bal du cul? Mièvreries et pruderies à l'épreuve? Vraiment?

Elle ouvre la danse avec une performance autour de thématiques connues et reconnues et inconnues de son répertoire organique: séduction, répulsion, féminité, provocation, indécence, intimité, spectacle, exhibition, introspection, en-jeux, déception, improvisation...

Que sera le public? Qui fera la performance? Qui deviendra intime? Qui créera du lien? Qui chèrera la bobinette? Qui prendra du plaisir? Qui fera l'innocent?

Où :

  • rue Ransonnet, 2
  • 4020 Liège

Informations :

Edifié en 1837 pour l'entraînement des régiments de cavalerie, ce manège est un étonnant exemple d'architecture, sinon de génie militaire. Aujourd’hui entièrement rénovée, la Caserne Fonck est sans hésiter l'une des plus belles salles de Liège et le lieu de prédilection des Ardentes Club. D'une capacité modulable de 400 à plus de 1500 personnes, la salle se prête aussi bien aux concerts rock qu’aux soirées électro.

S'y sont déjà produits à l'invitation des Ardentes Club : Editors, Arno, Hooverphonic, Midlake, Puggy, Dr. Lektroluv, Selah Sue, Anna Calvi, Die Antwoord, Kap Bambino, Jamie XX, Miossec, Le Peuple de l'Herbe, MLCD, Mass Hysteria, Daan, Mixhell, An Pierlé, Kap Bambino, Little Mike (Birdy Nam Nam), Boombass (Cassius), Breakbot, PartyHarders, Baloji, Féfé, 65daysofstatic, The Glimmers, Riton, In Flagranti, The Subs, AKS, The Qemists, etc.

Rue Ransonnet, 2. 4020 Liège.

perf bordal 1.jpg

perf bordal 2.jpg

22:13 19/10/2011 | Lien permanent | Tags : humoeurs, arts |  Facebook